Guión: Marcus Dunstan, Patrick Melton

Reparto: Tobin Bell, Costas Mandylor, Betsy Russell, Dean Armstrong, Chad Donella, Sean Patrick Flanery, Gina Holden, Chester Bennington, Naomi Snieckus, Cary Elwes, Laurence Anthony, Rebecca Marshall, James Van Patten

Séptima y última entrega de la saga de terror sobre Jigsaw, el asesino del puzzle.

Mientras se libra una mortal lucha en torno al legado de Jigsaw, un grupo de supervivientes de sus juegos se reúne para buscar el apoyo de Bobby Dagen, gurú de la autoayuda y también superviviente de Jigsaw. Sin embargo, los oscuros secretos de Dagen desencadenarán una nueva oleada de terror…
Fuente: http://www.estrenosdecine.net/peliculas/2457/

Director: Stewart Scott

La película está basada en el guion de Cory Goodman que presenta algunos cambios a su obra original titulada Min – Woo Hyung, sustituyendo a los muertos vivientes por vampiros.

El film es ambientado en un mundo asolado por siglos de guerra entre los humanos y los vampiros. Su personaje central es un sacerdote guerrero que ahora vive en la oscuridad entre los otros habitantes humanos. Cuando su sobrina es secuestrada por un grupo de vampiros asesinos, rompe sus votos sagrados para aventurarse en una búsqueda obsesiva antes de que la conviertan en uno de ellos.
Fuente: http://www.cinevideos.org/el-sicario-de-dios/

Guión: Guillem Morales, Oriol Paulo

Reparto: Belén Rueda, Lluís Homar, Pablo Derqui, Francesc Orella, Joan Dalmau, Boris Ruiz, Daniel Grao, Clara Segura, Andrea Hermosa, Julia Gutiérrez Caba

Julia recibe la noticia de la inesperada muerte de su hermana, Sara. Todos los hechos apuntan a que se trata claramente de un suicidio. A pesar de todo, Julia es incapaz de aceptar esta versión y empieza a investigar las circunstancias que rodeaban la vida de su hermana, a la que no visitaba desde hacía unos meses.

Pero algunos inquietantes indicios, que contradicen el carácter de Sara, y el descubrimiento de que su hermana se había apartado completamente de sus vecinos y amigos sólo hacen aumentar en ella las sospechas de que algo extraño se oculta tras su muerte.

La obsesión de Julia por seguir sus últimos pasos en vida la conducen a cruzarse con una amenaza misteriosa que nadie más en su entorno parece percibir, ni siquiera su marido, Isaac. Julia debe enfrentarse a este peligro desconocido superando además una trágica adversidad: una enfermedad genética degenerativa que le provoca la pérdida progresiva de su visión.

Aunque durante estos últimos años la complicidad y el amor entre Isaac y Julia han podido mantener alejados los ataques de ceguera de ella, una serie de extraños acontecimientos cada vez más agresivos hace que estos virulentos ataques amenacen con volver y sumergir a la mujer en un mundo de oscuridad, indefensa, a merced de la terrorífica presencia que se oculta en ella.
Fuente: http://www.estrenosdecine.net/peliculas/2481/

La máscara de Michael en Halloween es una máscara del capitán Kirk de Star Trek, con los ojos recortados y pintada de blanco; antes iban a usar la de un payaso. La de Scream la encontraron en una casa abandonada, mientras buscaban lugares para filmar. (Ezequiel Acevedo)

En la escena final de Braindead, cuando a la madre de Lionel (transformada en monstruo) la revienta el estómago, toda la sangraza, líquidos y fluidos corporales que le salen no son otra cosa que litros y litros de mermelada de fresa. Y hablando de líquidos, la famosa pota de El Exorcista no es más que puré de guisantes. (Luis Ortega)

Aunque parezca mentira, realizar efectos de sonido en el cine es más fácil de lo que parece, como demuestran: Robert Rodríguez que, para dar sonido a sus terroríficos vampiros de Abierto hasta el Amanecer usó los lloros de su hijo recién nacido distorsionados; mientras que en Mimic, Guillermo del Toro distorsionó el sonido producido por él mismo mientras se lavaba los dientes entre otros para reproducir los gritos de las gigantescas cucarachas. (TON)

Parece que lo mejor después de trabajar en Farmacia de Guardia es hacer una película gore, como podemos ver en los casos de Concha Cuetos, que apareció en una producción española llamada Slugs, muerte viscosa (Juan Piquer Simón, 1987), y Diana Peñalver que, tras aparecer en la serie Chicas de hoy en día hizo la maravillosa Braindead, tu madre se ha comido a mi perro (Braindead; Peter Jackson, 1992). (TON)

Para que las reacciones de los actores en Alien, el Octavo Pasajero (Alien; Ridley Scott, 1979) fueran más reales en la escena en la que a John Hurt le sale el alien del estómago, el director no quiso que conocieran a la criatura y colocó cinco cámaras, teniendo que repetir tan sólo una parte del final de la secuencia.

Dos de los guionistas de Superman (Superman, the Movie; Richard Donner, 1978), David Newman y Robert Benton, habían escrito antes el libreto del musical de Broadway It’s a Bird. It’s a Plane. It’s Superman!, en 1966.

En el rodaje de La Guerra de las Galaxias (Star Wars; George Lucas, 1977), Peter Cushing, que calzaba unas botas ajustadas, pidió a George Lucas que sólo le sacara de cintura para arriba, a lo que éste accedió, por lo que el resto de la película la hizo en zapatillas de andar por casa. La causa de esto fue el enorme tamaño de los pies de Cushing, que solía usar calzado a medida.

Para crear las gotas de lluvia en El Increíble Hombre Menguante (The Incredible Shrinking Man; Jack Arnold, 1957) se llenaron de agua preservativos corrientes.

Tras la excelente acogida que tuvo 2001, una Odisea del Espacio (2001: a Space Odyssey; Stanley Kubrick, 1968) entre el público más joven, acostumbrado al consumo de alucinógenos, la MGM cambiaría el cartel de la película por uno con la imagen de un niño con la frase “The Ultimate Trip” (el Viaje Definitivo).

También para 2001, una Odisea del Espacio (2001: a Space Odyssey; Stanley Kubrick, 1968), se pidió permiso a IBM para utilizar sus siglas para el nombre del ordenador principal. Después de que ésta se negara, se escogieron las letras HAL, que son las anteriores en el alfabeto.

En Galien, el monstruo de las Galaxias ataca la Tierra (Gojira tai Gaigan; Jun Fukuda,1972), una de las pelis de Godzilla, podemos asistir a diálogos entre los monstruos que, en la copia USA, son doblados, mientras que en la copia japonesa, aparecen bocadillos en el más puro estilo manga.

Para la película King Kong contra Godzilla (King Kong tai Gojira; Inoshiro Honda, 1962) se rodaron dos finales. En uno de ellos resultaba vencedor Godzilla, y en otro (destinado al mercado occidental) vencía King Kong.

Tarantino, productor de Tú asesina, que Nosotras limpiamos la Sangre, consiguió que en una secuencia en la que vemos en un televisor un reality show, en éste se hable de los hermanos Geko, los protagonistas de Abierto hasta el Amanecer (From Dusk till Dawn; Robert Rodríguez, 1996). (TON)

Abierto hasta el Amanecer (From Dusk till Dawn; Robert Rodríguez, 1996) está influenciada entre otras películas por Asalto a la comisaría del distrito 13 (Assault on Precint 13; John Carpenter, 1976), no en vano el personaje de Ernest Liu, el hijo del padre Jacob, lleva una camisa con: “PRECINT 13″, el título americano de la pelicula de John Carpenter. (TON)

La actriz Susan Scott participó (además de en otras) en tres películas: La Muerte acaricia a medianoche (1971), La Muerte camina con tacón alto (1972) y La Muerte llega arrastrándose (1972) que, aunque tengan casi el mismo título, no tienen nada que ver unas con otras.

En la película española La Endemoniada (Amando de Ossorio, 1975), todo un patético plagio a El Exorcista (The Exorcist; William Friedkin, 1973), la niña protagonista, Marian Salgado, había sido la encargada de doblar al castellano la voz de Linda Blair en la película original, así que ya estaba entrenada para esto.

En la película Mujeres Caníbales (Cannibal Girls; Ivan Reitman, 1972), una campana en la banda sonora avisa de la próxima escena gore (para que sepas cuándo tienes que estar más atento).

Uno de los errores (y no el único, ¡faltaría más!) que se produjeron al titular las películas para el mercado español fue el de Psicosis II (The Terror Eyes; Ken Hughes, 1980). La verdadera segunda parte tuvieron que titularla Psicosis II. El Regreso de Norman (Psycho II; Richard Franklin, 1983).

Más secuelas con nombres cambiados: la segunda parte de Phantasma (Phantasm; Don Coscarelli, 1978) la titularon en España Phantasm. El regreso (Phantasm II; Don Coscarelli, 1988), ya que había aparecido antes en nuestro país Phantasma 2 (Salem’s Lot; Tobe Hooper, 1979), una miniserie de dos capítulos para televisión que remontaron aquí para estrenarla en cine.

La película Frankenstein (J. Searle Dawley, 1910) fue producida ni más ni menos que por Thomas A. Edison, uno de los inventores más importantes de inicios de siglo, con patentes como la bombilla eléctrica que utilizamos actualmente.

Las tres primeras partes de la serie de la Momia Azteca: La Momia Azteca (Rafael Portillo, 1957), La Maldición de la Momia Azteca (Rafael Portillo, 1957) y La Momia Azteca contra el Robot Humano (Rafael Portillo, 1957) ¡se rodaron el mismo año! (se ve que ya sabían que iba a ser un éxito!?)

En el serial de ciencia-ficción Flash Gordon (Frederick Stephani, 1936) se utilizaron decorados procedentes de La Novia de Frankenstein (The Bride of Frankenstein; James Whale, 1935) y La Momia (1934). Además, parte de la música utilizada provenía de La Novia de Frankenstein, El Hombre Invisible (The Invisible Man; James Whale, 1933), El Lobo Humano, King Kong y Al este de Java.

La famosa frase “Klaatu, Barada, Nikto”, pronunciada en la película Ultimátum a la Tierra (The Day the Earth stood still; Robert Wise, 1951) fueron después utilizadas en El Retorno del Jedi (Return of the Jedi; Richard Marquand, 1983) para dar nombre a tres soldados de Jabba, en El Ejército de las Tinieblas (Army of Darkness; Sam Raimi, 1992) para que Ash (Bruce Campbell) se olvidara de ellas y se metiera en líos y en el ciclo de cine fantástico que emite actualmente el Canal 33 los miércoles noche.

En la película Invaders from Mars (William Cameron Menzies, 1953), no estrenada en España, en unas secuencias localizadas en unas cuevas donde se refugian los ‘marcianos’, podemos ver las paredes llenas de unas burbujas que en realidad no eran sino preservativos corrientes.

En el preestreno de la peli It came from Outer Space (Jack Arnold, 1953), rodada en 3-D, se colocaron unas catapultas a los lados de la pantalla que lanzaron rocas de gomaespuma en una secuencia de una avalancha.

Algunas tomas de La Guerra de los Mundos (The War of the Worlds; Byron Haskin, 1953), en concreto unas de pánico masivo y noticias sobre la tragedia, son parte del metraje original de Cuando los Mundos Chocan (When Worlds Collide; Rudolph Maté, 1951).

Los efectos de sonido de esta película, La Guerra de los Mundos (The War of the Worlds; Byron Haskin, 1953), también tienen su historia. El grito de los marcianos era un grito de mujer distorsionado unido al sonido del roce entre un trozo de hielo y un micrófono. El zumbido de las naves eran tres guitarras eléctricas reproducidas al revés.

El traje del monstruo en La Mujer y el Monstruo (Creature from the Black Lagoon; Jack Arnold, 1954) era amarillo en las tomas submarinas y estaba ocupado por Ricou Browning, nadador olímpico, mientras que en las tomas fuera del agua se utilizaba otro verde y estaba vestido esta vez por Ben Chapman, más alto y robusto.
Fuente: http://membres.multimania.fr/cinemaniacos/curiosidades_2a.htm

Características

El cine splatter, según el crítico de cine Michael Arnzen, “deleita tímidamente con sus efectos especiales gore utilizados como elemento artístico”. []Mientras en las películas de terror se tratan temas como lo desconocido, sobrenatural, oscuridad, entre otros, el miedo del género splatter consiste en la destrucción física del cuerpo humano. Hay además un énfasis en el aspecto visual, estilo y técnica, incluyendo un hiperactivo trabajo de cámara. Mientras el cine de terror intenta restablecer el orden social y moral mediante el triunfo de la fuerzas del bien sobre el mal, en las películas gore abunda la falta de trama y orden. Arnzen sostiene que “el espectáculo violento reemplaza cualquier intento de estructura narrativa, ya que el gore es la única parte de la película que es consistente”. Estas películas además presentan narraciones entrelazadas, incluyendo “montajes repletos de movimientos de cámara… tomas cruzadas de cazador y cazado, y siniestras yuxtaposiciones y contrastes”.

Inicios

El cine splatter tuvo sus inicios estéticos en el teatro francés Grand Guignol, en el cual se intentaban representar sangrientas escenas de matanzas para sus clientes. En 1908, Grand Guignol hizo su primera aparición en Inglaterra, aunque el gore fue minimizado en función de un tono más gótico, debido a la censura existente en las artes británicas.

La primera aparición del gore—la mutilación realista del cuerpo humano—en el cine se puede remontar a la película Intolerancia (1916) de D. W. Griffith, la cual presenta varios elementos similares a los de Grand Guignol, incluyendo dos decapitaciones, y una escena donde se muestra como una lanza atraviesa el abdomen de un soldado. Varias de las posteriores películas de Griffith, y las de su contemporáneo Cecil B. DeMille, muestran matanzas similares.

A comienzos de los años 20, un número de escándalos, incluyendo el de Roscoe Arbuckle, conmovieron a Hollywood, generando una crítica a la “obscenidad” que era “promovida” por las películas. Como resultado se creó el Código Hays, el cual determinaba mediante una serie de reglas restrictivas, qué se podía ver en pantalla y qué no. El género gore se vio censurado durante casi cincuenta años.

La era moderna

A finales de los años 50 y principios de los 60, el público se reencontró con los temas de temática splatter gracias a películas como Psicosis (1960) de Alfred Hitchcock, y algunos trabajos de Hammer Productions como La maldición de Frankenstein (1957) y Drácula (1958).

El género splatter surgió como un estilo diferente de cine en Estados Unidos a comienzos de los años 60, con las películas de Herschell Gordon Lewis. Lewis había comenzado años atrás produciendo películas con desnudos de bajo presupuesto, pero el mercado comenzaba a perder terreno en Hollywood, lo cual le llevó a incluir más desnudos en sus películas. En vez de hacerse un espacio rentable en la industria, Lewis se dedicó a tocar los temas que el cine temía: escenas de gore explícito y visceral. En 1963, dirigió Blood Feast, considerada por muchos como la primera película del género splatter. En ella destacan escenas en donde ‘Ramsés’ le arranca la lengua a una joven incluyendo su raíz y muestras de desmembramiento. Tras 15 años de su estreno, Blood Feast obtuvo $7 millones de ganancia. La película estimaba recibir unos $24.500 aproximadamente. Tuvo una segunda parte, Blood Feast 2: All U Can Eat, estrenada en 2002. La siguiente película de Lewis, Two Thousand Maniacs! (1964), fue rehecha como 2001 Maniacs en 2005 (con una segunda parte titulada 2001 Maniacs: Beverly Hellbillys, la cual fue estrenada en 2008).

Debido a su influencia y rentabilidad, Blood Feast se mantuvo en la cartelera de varios autocines ubicados al sur de Estados Unidos. La violencia gráfica comenzó a ser mostrada en películas de gran presupuesto como Bonnie y Clyde (1967) y The Wild Bunch (1969), pero continuó siendo vista como un tabú en Hollywood.

La primera película que logró popularizar el género fue La noche de los muertos vivientes (1968) de George A. Romero, la cual intentaba replicar la atmósfera y gore de EC Comics. Aunque en un principio fue catalogada por la prensa estadounidense como “pésima”, se convirtió rápidamente en una sensación nacional, siendo emitida no solo en autocines sino también en funciones de medianoche a lo largo del país. Las críticas extranjeras fueron más amables con la película; la revista británica de cine Sight & Sound la ubicó entre las “diez mejores películas de 1968″.

Su secuela, El amanecer de los muertos, se convirtió en una de las películas splatter con mayor éxito, tanto comercialmente como por las críticas recibidas. El crítico Roger Ebert se refirió a ella como “una de las mejores películas de terror jamás hechas”. Las películas de Romero fueron importantes además por su preocupación en relación a la técnica, efectos especiales, guión y caracterización de los personajes.

Durante los años 80 fue creado el consejo de clasificación de la MPAA, como resultado varias películas splatter sufrieron cortes, con la excepción de Friday the 13th y sus gráficas escenas de violencia. Sin embargo, Friday the 13th no corrió la misma suerte. Roger Ebert en Estados Unidos y el miembro del Parlamento, Graham Bright, en el Reino Unido, lideraron los intentos de censura a este tipo de películas; mientras los críticos iban tras la película I Spit On Your Grave, los políticos se encargaron de apoyar el Video Recordings Act, un sistema de censura y certificación de videos. Esto tuvo como resultado la censura de varias películas en el Reino Unido.

Algunos directores de este género se han dedicado a filmar películas de mayor presupuesto y rentabilidad. Sam Raimi, conocido por dirigir las películas de Spiderman, se volvió famoso tras crear The Evil Dead (1981), que fue seguida por dos secuelas: Evil Dead II (1987) y El ejército de las tinieblas (1992). Peter Jackson, quien es conocido por su trilogía basada en El Señor de los Anillos, comenzó su carrera como director en Nueva Zelanda dirigiendo las películas splatter Bad Taste (1987) y Braindead (1992). Estas películas mostraban tanto gore que se convirtió en un elemento cómico. Este tipo de comedias son conocidas como “splatstick”, definido como humor físico que involucra destripamiento.

Algunas películas splatter han servido como influencia de distintas maneras. Holocausto caníbal (1980), por ejemplo, es similar a The Blair Witch Project (1999) Holocausto caníbal cuenta la historia de un grupo de jóvenes, mediante una cinta grabada por ellos antes de morir en manos de caníbales. Este elemento de “falso documental” es utilizado también en Blair Witch.

Torture porn

En los años 2000, hubo un resurgimiento de películas influenciadas en el género splatter, las cuales contienen desnudos, tortura, mutilación y sadismo, conocidas de manera despectiva como “torture porn” (”tortura porno” en inglés) por los críticos; también son denominadas “gorno” (un acrónimo de “gore” y “porno”). La película de Eli Roth, Hostel (2005), fue la primera en ser llamada “torture porn” por el crítico David Edelstein, pero la clasificación ha sido aplicada a Saw (2004) y sus secuelas, Los renegados del diablo (2005), Wolf Creek (2005), Baise-moi (2000) y Koroshiya 1 (2001). Algo que diferencia a estas películas de las splatter es que las “torture porn” van acompañadas de numerosa publicidad, de esta manera recaudan más que las otras.

El subgénero denominado “torture porn” ha demostrado ser bastante rentable: Saw, que fue hecha con $1,2 millones, recaudó $100 millones en todo el mundo, mientras que Hostel, con un presupuesto de aproximadamente $5 millones, recaudó $80 millones. Lionsgate, el estudio detrás de estas películas, también ha recibido grandes ganancias de la taquilla. El éxito financiero ha inspirado el estreno de películas similares: Turistas en 2006, Hostal 2, Captivity protagonizada por Elisha Cuthbert, Borderland, Delirium, Funny Games protagonizada por Naomi Watts y Tim Roth, y The Last House on the Left. La película Grindhouse (2007), producida y dirigida por Quentin Tarantino y Robert Rodríguez, también ha sido considerada como parte del género.

Este género ha recibido numerosas críticas. Joss Whedon, creador de la serie de televisión Buffy la caza vampiros, ha dicho que el “torture porn” es “parte de un ciclo de violencia y misoginia que arrebata algo a la gente que lo ha visto”. Los afiches utilizados para la publicidad de Hostal 2 y Captivity han generado críticas debido a su contenido gráfico, siendo sacados de algunos lugares. El director Eli Roth ha sostenido que el uso del término “torture porn” por parte de los críticos, “dice mucho acerca del limitado entendimiento de los críticos, en relación a lo que las películas de terror pueden hacer o son”, y que “son anticuados”.[] El escritor Stephen King defendió a Hostal 2 y el “torture porn” diciendo, “de seguro te hace sentir incómodo, pero el buen arte debe hacerte sentir incómodo”.

Gore en otros géneros

El polémico género tuvo sus variantes al aliar elementos de otros estilos cinematográficos. Uno de los más dignos de destacar es el producido por la fusión de elementos del cine mondo y gore que resultó en el género italiano de Películas de Caníbales en la Selva, inaugurado en la obra de 1972 Hombre del Río Profundo de Umberto Lenzi, y que llevaría al apogeo su compatriota Ruggero Deodato con Holocausto caníbal (1979).

El término “gore” es generalmente confundido con “slasher”. Aunque algunas veces coinciden, muchas películas slasher, como Halloween (1978), no son consideradas gore ya que no muestran suficiente sangre. Otras películas, como Maniac (1980), The Prowler (1981), Castle Freak (1995) y Haute Tensión (2003/4) pueden ser incluidas dentro del subgénero.

Escenas splatter pueden ser vistas en películas de otros géneros. Algunos ejemplos son El Topo (1970) y Kill Bill (2003), correspondientes al western y thriller respectivamente. Muchas películas del género chambara, o películas de samurái, contienen efectos de sangre similares a los utilizados en el gore. Algunos ejemplos incluyen Kozure Ōkami (1980) y Lady Snowblood (1973).
Fuente: www.wikipedia.com