• George Lucas quería hacer una película sobre Flash Gordon, su héroe de juventud. Pero le pedían mucho por los derechos del personaje, así que decidió inventarse él sus propios personajes.

• En el rodaje de la primera película, en el desierto de Túnez, coincidió que fue el cumpleaños de Alec Guinnes. Para tal ocasión se trajo una tarta. Hubo que comerla apresuradamente, porque en cuanto se sacó de la nevera donde estaba guardada, comenzó a derretirse en cuestión de segundos. No era nada extraño. Había una temperatura de más de 40 grados a la sombra.

• Harrison Ford y Carrie Fisher tenían ciertos problemas con ciertas frases de sus diálogos, que consideraban complicados de pronunciar, y de algunas frases que sonaban algo rimbombantes. Harrison Ford llegó a amenazar a Lucas que le ataría en una silla y le haría repetir la frase: ‘He ido de un extremo de la galaxia a otro, chico…’

• Lucas estuvo rodando en Túnez e Inglaterra, mientras en EEUU su recién creada ILM trataba de realizar los efectos especiales requeridos. Cuando Lucas volvió a casa, descubrió que los efectos especiales realizados eran patéticos, y que sólo había tres terminados de los 365 que se necesitaban. El berrinche que cogió fue de dimensiones galácticas. Diabético él, tuvo un subidón de tensión y se pasó la noche ingresado en el hospital. Al día siguiente tomó personalmente el mando de las operaciones en los efectos especiales.

• En el IMPERIO CONTRAATACA, se descubrió con horror que, debido al tremendo frío reinante en el rodaje de las escenas del mundo helado de Hoth, que se hicieron en Noruega, la piel se quedaba pegada al metal de las cámaras, resultando especialmente doloroso el despegar la piel. Hubo que tomar serias precauciones. No hubo tormentas de arena, pero si de nieve. Ah, y aludes

• La escena donde R2 es perseguido por una animal acuático en el planeta Dagobah fue rodada…en la piscina que Lucas se estaba haciendo en su casa.

• Los problemas en el desierto de Túnez siguieron: Anthony Daniels, el actor que interpretaba a C3PO se asaba literalmente dentro de la armadura. Le tenían que meter con calzador en el traje. Debían de pasarle un refresco a través de una pajita cada pocos minutos para que el actor se refrescara, y para descansar tenía que apoyarse en una tabla inclinada, ya que no podía agacharse. Debido al calor, perdía dos kilos diarios debido al sudor. Se desmayó incontables veces durante el rodaje en aquel maldito desierto.

• La mayor parte de las maquetas de la primera película fueron hechas ensamblando diferentes piezas de kits de montaje de aviones en miniatura, que se podían encontrar en cualquier tienda.

• DARTH VADER: Lucas era fan de Flash Gordon. Pero también leía otro tipo de comics. Darth Vader está inspirado en dos conocidos villanos de los comics de superhéroes: Doctor Muerte y Darkseid. El Doctor Muerte es el archi-enemigo de los 4 Fantásticos, y a él se le debe la capa y la máscara. Lo de Darkseid es todavía más claro. La forma del casco de Lord Vader es igual a la de Darkseid. Pero hay más. Darkseid es el Padre Oscuro de los Nuevos Dioses. (Padre oscuro = Dark Father, nótese el parecido con Darth Vader). Y el mismo nombre de Darkseid suena igual que Dark Side (Lado Oscuro). Y otra más: Darkseid tiene un hijo, Orion, que está del bando de los Dioses buenos, es decir, el de la luz. Darkseid siempre ha tratado de que su hijo se una a él al lado oscuro.

JABBA: Inspirado también en un personaje de comic. El rey de los desviantes, Tode.

• Más problemas en el desierto de Túnez: Durante 50 años no había llovido en aquel lugar. Tuvo que hacerlo precisamente durante el rodaje, y de forma torrencial. Hubo que esperar a que se secara todo porque no podía haber agua en las escenas. Después vinieron tormentas de arena que pusieron perdido todo de arena. Cada noche había que desmontar las cámaras para limpiarlas y protegerlas. Al final, la mitad del equipo acabó con disentería. 20 años después, la película ‘El paciente inglés’, que acaba de ganar nueve Òscar, fue rodada en el mismo desierto de Túnez. Los problemas fueron parecidos. Bueno…no llovió.

• La Estrella de la Muerte: En Flash Gordon, nuestro héroe debía vérselas con el planeta Mongo, que viajaba por el espacio destruyendo otros mundos… Algunos expertos creen ver en el Gran Moff Tarkin a…Ming, claro.

• En la escena del triturador de basuras de la primera película, Carrie Fisher descubrió que, después de estar dos horas en aquel sitio, la piel se le estaba comenzando a arrugar y el traje blanco de goma que llevaba se estaba encogiendo.

• Observemos la escena que el Halcón Milenario es atrapado por los rayos tractores de la Estrella de la Muerte. Justo en el momento en que la nave entra en el hangar. Escena idéntica que podemos ver en ‘2001, una Odisea del Espacio’, pero con otra nave, claro.

• Los músicos que aparecen tocando en la cantina de Mos Eisley tienen un más que casual parecido con unos alienígenas que aparecían en la película ‘Esta isla, la Tierra’.

• Sólo hubo una nave que se construyó a tamaño natural (No, hombre, no. No fue un Destructor Imperial…fue el Halcón Milenario). Pesó 23 toneladas.

• Hubo extrañeza cuando Lucas mandó que se ensuciaran los decorados que se habían construido en Inglaterra. Nadie entendía porque había que ensuciarlos, si eran nuevos!

• El día del estreno de SW Lucas intentó en vano acudir al cine donde se celebraba el acontecimiento. Un tremendo atasco debido a la gente que quería ir a verla se lo impidió. Tuvo que verlo todo desde una hamburguesería cercana, junto con su mujer, mientras observaba alucinado lo que estaba pasando.

• Si a alguien se le ocurre ir a EEUU a ver los reestrenos, que tenga cuidado de no ir con un sable láser al cinto: En las horas de espera para entrar a ver las películas, la gente se entretiene entablando duelos de sable láser en las colas de los cines. Supongo que el ganador tiene el premio de ponerse por delante del perdedor.

• SW ha recaudado durante estos 20 años nada menos que 2 Billones de dólares, sumando recaudaciones en los cines, ventas de videos, juguetes, muñecos, libros, comics, camisetas, trajes, etc, etc.

• Harrison Ford jura y perjura que en la mayoría de las ocasiones George Lucas se dormía en pleno rodaje, y no llegaba a decir la palabra: ‘Corten!!’. Lucas no lo ha desmentido.

• Harrison Ford jura y perjura que en la mayoría de las ocasiones George Lucas se dormía en pleno rodaje, y no llegaba a decir la palabra: ‘Corten!!’. Lucas no lo ha desmentido.

• La Fuerza no sería ningún Dios ni un poder sobrenatural. Sería una metáfora de lo que cada uno de nosotros llevamos dentro. Nuestra determinación, nuestra fuerza, nuestra fe, lo mejor que todos podemos llevar dentro… Y el Lado Oscuro sería todo lo malo que podemos llevar dentro.

• Después de que grandes estudios como la Universal o la Metro rechazaran el proyecto SW, la Fox aceptó. Lucas puso la condición de que, a cambio de cobrar un pequeño sueldo por rodar la película, él se quedaría con todos los derechos de comercialización. La Fox dejaría de ganar por esta causa miles de millones de dólares.

• Alec Guinnes debió presentir, (gracias a la Fuerza, por supuesto!!), que aquí algo iba a pasar, porque a cambio de un sueldo testimonial, pidió recibir un 2 % de los beneficios que SW fuera a sacar.

George Lucas y Brian De Palma buscaban actores para sus dos películas: ‘STAR WARS’ y ‘Carrie’, respectivamente. En el lugar del casting estaba Harrison Ford martillo en mano haciendo unas mesas, pues él en aquel entonces era carpintero, habiendo abandonado su poca productiva carrera de actor. Lucas hacía el casting conjuntando a diferentes actores, para ver cómo funcionaban juntos. Necesitaba cinco actores para cada papel, y así tener cinco grupos donde elegir mejor. Le faltaba un Han Solo. Vio a Harrison Ford, y como éste había trabajado con él en ‘American Graffiti’, le pidió a ver si quería ocupar ese puesto vacante. Harrison Ford dijo: ‘Bueno, ¿Por qué no?’.

• Kenny Baker, actor que interpretaba a R2-D2, no oía nada cuando estaba dentro del robot. Debían avisarle de que tenía que empezar a rodar o pararse con el avanzado método de darle con un martillo en la cabeza de R2.

• SW es, con enorme diferencia, la que más figuritas y naves vende en todo el mundo. Sólo en los últimos cuatro años la casa Kenner ha lanzado más de 300 figuras diferentes de personajes de SW. Se da el caso de algunas figuras de personajes que sólo han aparecido un segundo en toda la trilogía.O también personajes que NO han aparecido jamás en las películas, pero si en libros o comics, como es el caso del Gran Almirante Thrawn o el Principe Xizor.

• George Lucas realizó un pase privado para amigos y amistades de SW, poco antes de que ésta fuera estrenada. La mayoría de amigos le dijeron que aquello no iba a tener mucho éxito, y que suerte tendría de recuperar el dinero que había costado. Hubo uno que le dijo que aquello podía ser un bombazo: Steven Spielberg.

• Lucas andaba buscando un compositor para que le hiciera la banda sonora de la película. Nuevamente Spielberg actuó, y le recomendó el compositor que él había tenido en ‘Tiburón’: John Williams.

• Para las batallas espaciales, sobre todo la que aparece en el RETORNO DEL JEDI, Lucas estudió documentales de batallas aéreas de la II-GM.

• Luke Starkiller: Este el primer nombre que Luke Skywalker iba a tener.

• En las diferentes versiones del guión que Lucas realizó, muchas cosas cambiaron. Los personajes cambiaron de nombre una y otra vez, unos aparecían y otros desaparecían. Hubo un personaje que siempre aparecía en todas las versiones, con el mismo nombre, y siempre hacía el mismo tipo de papel: Darth Vader.

• Algunos lumbreras acusaron a la película de que el Imperio estaba inspirado en realidad en la Unión Soviética. (Y digo yo: Por supuesto!!! y en la Alemania nazi también, ¿Y qué?).

• Es sabido que la voz de Darth Vader la ponía el actor James Earl Jones. Esto se debió, al parecer, a que había cierto temor de que la comunidad Afroamericana realizara algún tipo de boicot a la película, ya que no aparecía ni un solo Afro en toda la cinta. Antes de que James Earl Jones pusiera la voz a Darth Vader, se pensó que lo hiciera Orson Welles.

• El actor que interpretaba a Darth Vader, David Prowse, se enteró que le habían cambiado la voz por otro al ver la película en los cines. En la tercera película, el actor no sabía realmente si al final resultaba ser verdad que Vader era el padre o no de Luke en verdad. El diálogo que él decía fue cambiado finalmente por otro al doblarlo James Earl Jones, por lo que el secreto fue total.

• El final de ‘El Retorno del Jedi’ sigue siendo polémico. Al parecer, el final iba a ser otro, pero los crónicos problemas que el rodaje de una película de SW parecen llevar consigo hicieron que Lucas se enfadara al final y decidiera el final que conocemos.

• Ha habido acusaciones de que STAR WARS era un plagio de un libro de SF titulado ‘La Legión del Espacio’. Yo me he leído ese libro y puedo asegurar que la acusación es rotundamente falsa.

• Harrison Ford no le veía futuro alguno al personaje de Han Solo, no lo veía con aspecto de quedarse al final con Leia, así que, como iba a ser la última película, intentó convencer a Lucas de que lo mejor era matar al personaje, cosa que Lucas se negó a hacer.

Quien sí iba a morir al final del ‘Retorno’ era Lando Carlissian, que, junto con el Halcón Milenario, sería destruido al estallar la Estrella de la Muerte-II. Unos pases previos de la película demostraron el fuerte rechazo que este hecho provocaba. Así que se cambió ese detalle al final. La mayoría de actores secundarios son ingleses. Esto se debe a que sólo en Inglaterra se podían encontrar los estudios más grandes que se necesitaban, por lo que rodaban allí.

• Carrie Fisher y Mark Hamill se decantaron por otras tareas detrás de la cámara. Carrie Fisher es productora y guionista. Fue una de las guionistas de la última entrega de los Oscar. Hammill presta últimamente su voz para diferentes series de dibujos animados, destacando la del Joker para la serie Batman. También participa en el rodaje de secuencias para juegos de ordenador, como el famoso Wing Commander-IV.

• La carrera de Harrison Ford despés de SW pues…Oh, vamos, ¿Tengo que decir cómo fue su carrera?

• Anthony Daniels, C3PO, escribe en la actualidad el guión de un comic de SW para la editorial Dark Horse.

• La película más taquillera de 1977 en EEUU fue la ‘Guerra de las Galaxias’. En lo que se lleva de 1997, el reestreno de la ‘Guerra de las Galaxias’ es la película más taquillera. Naturalmente, hace ya varias semanas que es la película más taquillera de la historia.

• Se acusa a Star Wars de ser la responsable directa de que películas como Star Trek, Superman y Alien pudieran realizarse a continuación.

• George Lucas ganó 20 millones de dólares en 1977 con Star Wars, sólo por lo que le correspondía por el taquillaje.
Fuente: http://membres.multimania.fr/cinemaniacos/star_wars_curio1.htm

Características

El cine splatter, según el crítico de cine Michael Arnzen, “deleita tímidamente con sus efectos especiales gore utilizados como elemento artístico”. []Mientras en las películas de terror se tratan temas como lo desconocido, sobrenatural, oscuridad, entre otros, el miedo del género splatter consiste en la destrucción física del cuerpo humano. Hay además un énfasis en el aspecto visual, estilo y técnica, incluyendo un hiperactivo trabajo de cámara. Mientras el cine de terror intenta restablecer el orden social y moral mediante el triunfo de la fuerzas del bien sobre el mal, en las películas gore abunda la falta de trama y orden. Arnzen sostiene que “el espectáculo violento reemplaza cualquier intento de estructura narrativa, ya que el gore es la única parte de la película que es consistente”. Estas películas además presentan narraciones entrelazadas, incluyendo “montajes repletos de movimientos de cámara… tomas cruzadas de cazador y cazado, y siniestras yuxtaposiciones y contrastes”.

Inicios

El cine splatter tuvo sus inicios estéticos en el teatro francés Grand Guignol, en el cual se intentaban representar sangrientas escenas de matanzas para sus clientes. En 1908, Grand Guignol hizo su primera aparición en Inglaterra, aunque el gore fue minimizado en función de un tono más gótico, debido a la censura existente en las artes británicas.

La primera aparición del gore—la mutilación realista del cuerpo humano—en el cine se puede remontar a la película Intolerancia (1916) de D. W. Griffith, la cual presenta varios elementos similares a los de Grand Guignol, incluyendo dos decapitaciones, y una escena donde se muestra como una lanza atraviesa el abdomen de un soldado. Varias de las posteriores películas de Griffith, y las de su contemporáneo Cecil B. DeMille, muestran matanzas similares.

A comienzos de los años 20, un número de escándalos, incluyendo el de Roscoe Arbuckle, conmovieron a Hollywood, generando una crítica a la “obscenidad” que era “promovida” por las películas. Como resultado se creó el Código Hays, el cual determinaba mediante una serie de reglas restrictivas, qué se podía ver en pantalla y qué no. El género gore se vio censurado durante casi cincuenta años.

La era moderna

A finales de los años 50 y principios de los 60, el público se reencontró con los temas de temática splatter gracias a películas como Psicosis (1960) de Alfred Hitchcock, y algunos trabajos de Hammer Productions como La maldición de Frankenstein (1957) y Drácula (1958).

El género splatter surgió como un estilo diferente de cine en Estados Unidos a comienzos de los años 60, con las películas de Herschell Gordon Lewis. Lewis había comenzado años atrás produciendo películas con desnudos de bajo presupuesto, pero el mercado comenzaba a perder terreno en Hollywood, lo cual le llevó a incluir más desnudos en sus películas. En vez de hacerse un espacio rentable en la industria, Lewis se dedicó a tocar los temas que el cine temía: escenas de gore explícito y visceral. En 1963, dirigió Blood Feast, considerada por muchos como la primera película del género splatter. En ella destacan escenas en donde ‘Ramsés’ le arranca la lengua a una joven incluyendo su raíz y muestras de desmembramiento. Tras 15 años de su estreno, Blood Feast obtuvo $7 millones de ganancia. La película estimaba recibir unos $24.500 aproximadamente. Tuvo una segunda parte, Blood Feast 2: All U Can Eat, estrenada en 2002. La siguiente película de Lewis, Two Thousand Maniacs! (1964), fue rehecha como 2001 Maniacs en 2005 (con una segunda parte titulada 2001 Maniacs: Beverly Hellbillys, la cual fue estrenada en 2008).

Debido a su influencia y rentabilidad, Blood Feast se mantuvo en la cartelera de varios autocines ubicados al sur de Estados Unidos. La violencia gráfica comenzó a ser mostrada en películas de gran presupuesto como Bonnie y Clyde (1967) y The Wild Bunch (1969), pero continuó siendo vista como un tabú en Hollywood.

La primera película que logró popularizar el género fue La noche de los muertos vivientes (1968) de George A. Romero, la cual intentaba replicar la atmósfera y gore de EC Comics. Aunque en un principio fue catalogada por la prensa estadounidense como “pésima”, se convirtió rápidamente en una sensación nacional, siendo emitida no solo en autocines sino también en funciones de medianoche a lo largo del país. Las críticas extranjeras fueron más amables con la película; la revista británica de cine Sight & Sound la ubicó entre las “diez mejores películas de 1968″.

Su secuela, El amanecer de los muertos, se convirtió en una de las películas splatter con mayor éxito, tanto comercialmente como por las críticas recibidas. El crítico Roger Ebert se refirió a ella como “una de las mejores películas de terror jamás hechas”. Las películas de Romero fueron importantes además por su preocupación en relación a la técnica, efectos especiales, guión y caracterización de los personajes.

Durante los años 80 fue creado el consejo de clasificación de la MPAA, como resultado varias películas splatter sufrieron cortes, con la excepción de Friday the 13th y sus gráficas escenas de violencia. Sin embargo, Friday the 13th no corrió la misma suerte. Roger Ebert en Estados Unidos y el miembro del Parlamento, Graham Bright, en el Reino Unido, lideraron los intentos de censura a este tipo de películas; mientras los críticos iban tras la película I Spit On Your Grave, los políticos se encargaron de apoyar el Video Recordings Act, un sistema de censura y certificación de videos. Esto tuvo como resultado la censura de varias películas en el Reino Unido.

Algunos directores de este género se han dedicado a filmar películas de mayor presupuesto y rentabilidad. Sam Raimi, conocido por dirigir las películas de Spiderman, se volvió famoso tras crear The Evil Dead (1981), que fue seguida por dos secuelas: Evil Dead II (1987) y El ejército de las tinieblas (1992). Peter Jackson, quien es conocido por su trilogía basada en El Señor de los Anillos, comenzó su carrera como director en Nueva Zelanda dirigiendo las películas splatter Bad Taste (1987) y Braindead (1992). Estas películas mostraban tanto gore que se convirtió en un elemento cómico. Este tipo de comedias son conocidas como “splatstick”, definido como humor físico que involucra destripamiento.

Algunas películas splatter han servido como influencia de distintas maneras. Holocausto caníbal (1980), por ejemplo, es similar a The Blair Witch Project (1999) Holocausto caníbal cuenta la historia de un grupo de jóvenes, mediante una cinta grabada por ellos antes de morir en manos de caníbales. Este elemento de “falso documental” es utilizado también en Blair Witch.

Torture porn

En los años 2000, hubo un resurgimiento de películas influenciadas en el género splatter, las cuales contienen desnudos, tortura, mutilación y sadismo, conocidas de manera despectiva como “torture porn” (”tortura porno” en inglés) por los críticos; también son denominadas “gorno” (un acrónimo de “gore” y “porno”). La película de Eli Roth, Hostel (2005), fue la primera en ser llamada “torture porn” por el crítico David Edelstein, pero la clasificación ha sido aplicada a Saw (2004) y sus secuelas, Los renegados del diablo (2005), Wolf Creek (2005), Baise-moi (2000) y Koroshiya 1 (2001). Algo que diferencia a estas películas de las splatter es que las “torture porn” van acompañadas de numerosa publicidad, de esta manera recaudan más que las otras.

El subgénero denominado “torture porn” ha demostrado ser bastante rentable: Saw, que fue hecha con $1,2 millones, recaudó $100 millones en todo el mundo, mientras que Hostel, con un presupuesto de aproximadamente $5 millones, recaudó $80 millones. Lionsgate, el estudio detrás de estas películas, también ha recibido grandes ganancias de la taquilla. El éxito financiero ha inspirado el estreno de películas similares: Turistas en 2006, Hostal 2, Captivity protagonizada por Elisha Cuthbert, Borderland, Delirium, Funny Games protagonizada por Naomi Watts y Tim Roth, y The Last House on the Left. La película Grindhouse (2007), producida y dirigida por Quentin Tarantino y Robert Rodríguez, también ha sido considerada como parte del género.

Este género ha recibido numerosas críticas. Joss Whedon, creador de la serie de televisión Buffy la caza vampiros, ha dicho que el “torture porn” es “parte de un ciclo de violencia y misoginia que arrebata algo a la gente que lo ha visto”. Los afiches utilizados para la publicidad de Hostal 2 y Captivity han generado críticas debido a su contenido gráfico, siendo sacados de algunos lugares. El director Eli Roth ha sostenido que el uso del término “torture porn” por parte de los críticos, “dice mucho acerca del limitado entendimiento de los críticos, en relación a lo que las películas de terror pueden hacer o son”, y que “son anticuados”.[] El escritor Stephen King defendió a Hostal 2 y el “torture porn” diciendo, “de seguro te hace sentir incómodo, pero el buen arte debe hacerte sentir incómodo”.

Gore en otros géneros

El polémico género tuvo sus variantes al aliar elementos de otros estilos cinematográficos. Uno de los más dignos de destacar es el producido por la fusión de elementos del cine mondo y gore que resultó en el género italiano de Películas de Caníbales en la Selva, inaugurado en la obra de 1972 Hombre del Río Profundo de Umberto Lenzi, y que llevaría al apogeo su compatriota Ruggero Deodato con Holocausto caníbal (1979).

El término “gore” es generalmente confundido con “slasher”. Aunque algunas veces coinciden, muchas películas slasher, como Halloween (1978), no son consideradas gore ya que no muestran suficiente sangre. Otras películas, como Maniac (1980), The Prowler (1981), Castle Freak (1995) y Haute Tensión (2003/4) pueden ser incluidas dentro del subgénero.

Escenas splatter pueden ser vistas en películas de otros géneros. Algunos ejemplos son El Topo (1970) y Kill Bill (2003), correspondientes al western y thriller respectivamente. Muchas películas del género chambara, o películas de samurái, contienen efectos de sangre similares a los utilizados en el gore. Algunos ejemplos incluyen Kozure Ōkami (1980) y Lady Snowblood (1973).
Fuente: www.wikipedia.com

Guión: Wesley Strick, Eric Heisserer

Reparto: Jackie Earle Haley, Kyle Gallner, Katie Cassidy, Rooney Mara, Thomas Dekker, Kellan Lutz, Clancy Brown, Connie Britton, Lia D. Mortensen

Nueva versión del clásico de terror Pesadilla en Elm Street dirigido por Wes Craven en 1984, con Robert Englund como Freddy Krueger.

Nancy, Kris, Quentin, Jesse y Dean viven todos ellos en Elm Street. Por la noche, todos tienen el mismo sueño: sueñan con el mismo hombre que lleva un jersey a rayas verdes y rojas y un viejo sombrero de fieltro con ala que le oculta la mitad de su rostro desfigurado y un guante de jardinero con cuchillas en los dedos. Y todos escuchan la misma voz terrorífica… Uno a uno, les aterroriza en las penumbras del sueño donde el que manda es él y la única forma de escapar es despertarse.

Pero cuando uno de ellos fallece de forma violenta, pronto se dan cuenta de que lo que pasa en sus sueños ocurre de verdad y de que si quieren seguir vivos no pueden dormirse. Juntos, los cuatro amigos supervivientes tratan de descubrir cómo han pasado a formar parte de esa fábula macabra en la que les persigue ese hombre oscuro. Funcionando bajo mínimos para no dormirse, se esfuerzan por comprender por qué ellos, por qué ahora y qué es lo que les están ocultando sus padres.

Enterrada en su pasado existe una deuda que está empezando a pasar cuenta, lo que les lleva a introducirse en la pesadilla más aterradora de todas… Freddy Krueger.
Fuente: http://www.estrenosdecine.net/peliculas/2514/

En “Transformers 2: La venganza de los Caídos” han pasado dos años desde que Sam Witwicky y los Autobots salvaran a la raza humana de la invasión de los Decepticons. Ahora se prepara para el mayor desafío de su vida: salir de casa y marcharse a la universidad. Pese a su extremado heroísmo, la batalla de Mission City se ha convertido en una leyenda urbana conocida solamente por algunos teóricos de la conspiración. Sam sigue siendo un adolescente normal con las preocupaciones cotidianas y la emoción de hacerse adulto, separándose de sus padres por primera vez y comprometiéndose a serle fiel a su novia Mikaela. Por supuesto, también tiene que intentar explicar su partida a su robot guardián, Bumblebee.

Marcharse de casa es algo que los Autobots entienden muy bien. Con la destrucción de la Allspark, Cybertron, el planeta donde vivían los Transformers, se ha vuelto inhabitable, y los Autobots sobreviven como pueden en la Tierra, trabajando conjuntamente con el ejército como parte de un equipo súper secreto llamado NEST. Actuando mano a mano con sus homólogos humanos, el mayor Lennox y el sargento de la Fuerza Aérea Epps, el equipo NEST pretende atrapar a todo Decepticon que pueda seguir escondido en la Tierra. Por desgracia, aunque los Autobots intentan llevar una nueva vida entre los humanos, descubren que puede que no sean bienvenidos.

Un asesor de seguridad del gobierno, Theodore Galloway, decidido a demostrar que todos los Transformers deberían ser expulsados de la Tierra, se esfuerza por acabar con NEST, en la creencia de que la mera presencia de los Autobots pude poner en peligro a la raza humana. Optimus Prime, el jefe de los Autobots, accede a abandonar nuestro planeta si los gobiernos del mundo así lo desean- pero le advierte a Galloway que tenga en cuenta lo que puede pasar si los Autobots dejan indefensa a la Tierra.

Mientras tanto, en la universidad, Sam se adapta a su prepotente y engreído compañero de habitación, Leo, y a una tentación igualmente agresiva bajo la forma de una nueva compañera, Alice. Sam hace lo que puede por acomodarse a la vida universitaria, hasta que es asaltado de pronto por visiones que chispean como rayos por su cerebro. Los Decepticons se enteran pronto de algo que Sam ignora: que sólo él tiene la clave del resultado de la lucha entre el mal y el poder supremo del bien.

Fuente: elmulticine.com

‘Universal Soldiers: A New Beginning’ es también conocida con el título de ‘Universal Soldiers: The Next Generation’, el film que reúne de nuevo a Jean-Claude Van Damme y Dolph Lundgren en la nueva secuela de ‘Soldado universal’, la primera película en los Estados Unidos de un realizador que luego se caracterizó por ofrecernos un montón de catástrofes (tómese en el sentido que se quiera): Roland Emmerich. Van Damme retoma su personaje de Luc Deveraux, y Lundgren el de un clon de Andrew Scott, al que daba vida y muerte en el film de Emmerich.

Aquí os traemos una imagen oficial de la película que sin duda hará las delicias de los fans del género. ‘Universal Soldiers: A New Beginning’ narra el enfrentamiento de Deveraux y un equipo formado por él contra un tirano loco que ha tomado Chernobyl, y amenaza con extender una nube radioactiva si sus demandas no son aceptadas. Deveraux tratará de impedirlo con su grupo de soldados reactivados, incluyendo el clon de Scott, contra el que tendrá que luchar a tortazo limpio ya que es un “topo” introducido por el tirano en cuestión, que es muy listo.

‘Universal Soldiers: A New Beginning’ está siendo dirigida por John Hyams, hijo de Peter Hyams (a quien le debemos un par de pequeñas joyas del género, ‘Atmósfera Cero’ y ‘Capricornio Uno’), y se editará directamente en DVD, lo cual supone una alegría enorme.

Fuente: blogdecine.com

‘Harry Potter y el misterio del príncipe’ será uno de los bombazos taquilleros del presente 2009, y aquí os traemos su nuevo y espectacular tráiler. David Yates es el encargado de dirigir el tramo final de la saga con nada menos que cuatro títulos (si tenemos en cuenta que el último capítulo se divide en dos films, ya sabéis, el dinero manda y hay que explotar al máximo la gallina de los huevos de oro), lo cual no deja de ser curioso, si tenemos en cuenta que hasta llegar Yates, siempre se tiró por nombres conocidos (siendo Alfonso Cuarón el que dejó el mejor film de todos, logrando imponer su estilo a una saga prefabricada de antemano).

‘Harry Potter y el misterio del príncipe’ narra el sexto curso en Hogwarts por parte de Potter y sus amigos de siempre. El descubrimiento de un misterioso libro escrito por el Príncipe mestizo, y el pasado de Voldemort serán las tramas centrales de esta nueva entrega, que llegará a nuestras pantallas el 17 de julio. Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, Robbie Coltrane, Tom Felton, Alan Rickman, Helena Bonham Carter, Michael Gambon, Maggie Smith, David Thewlis y Jim Broadbent componen el reparto de esta esperada película.

Fuente: blogdecine.com/

La propuesta de ‘Señales del futuro’ es realmente interesante. Con un prólogo estimulante, Alex Proyas nos transporta a una atmósfera inquietante, próxima al cine de terror, pero con un guión que va desarrollando nuevos caminos sin ser capaz de desarrollarlos firmemente, a la par que amalgama una serie de géneros que provocan el desconcierto, hasta llegar una conclusión que se torna del todo ridícula.

Un thriller apocalíptico que tiene momentos de verdadero terror, pero que queda diluido por dosis de ciencia ficción, de género fantástico, de cine de catástrofes y de profecías y numerología más próximas a Expediente X. Una película que cuenta con estimulantes ingredientes, la buena mano en la narración de tono oscuro de Proyas, pero que se desmorona según avanza el metraje, perdiendo el interés inicial para devenir en una historia fallida, por momentos aburrida, y de final tan absurdo como desilusionante.

El planteamiento de los guionistas (hasta seis los firman) es ambicioso, intentan ofrecer una cierta originalidad que queda bien establecida con la trama primaria de la cápsula del tiempo. Pero en un intento de abarcar demasiado, fracasan hasta generar falsas expectativas. Como digo, comenzando con un thriller oscuro, intrigante y que expone temas como el destino, el azar y los misterios de la numerología, acaba en un relato de ciencia ficción lamentable. Esa ambición originaria de ‘Señales del futuro’, que genera una cierta expectación por el misterio, queda traicionada a mitad del metraje, con trampas, pistas falsas, diálogos imposibles, además de decaer el ritmo y enmarañar la historia por la falta de ingenio.

A todo hay que añadir, que no encuentra tampoco un protagonista suficientemente carismático. La imposibilidad de Nicolas Cage por ofrecer una interpretación adecuada, quedando evidente su falta de inspiración. Algo a lo que ya nos tiene acostumbrados y que nuevamente muestra el mismo mutis que ya hemos visto anteriormente en las dos entregas de ‘La búsqueda’, sin ir más lejos. Ahora compone un personaje plano sin demasiado brillo, pero con cierto oficio, metiéndose en la piel de un científico convertido en padre coraje y que se echa a las espaldas la obligación de salvar el mundo con el rostro permanentemente compulgido.

A pesar de que el guión no sabe cerrar todos los nudos con solidez, no se puede negar la capacidad visual y narrativa de Alex Proyas en la pocas pero impactantes secuencias de acción. Momentos espeluznantes, que llegan por sorpresa y provocan impacto suficiente, a pesar del abuso del CGI y de cierta tendencia al exceso. El manejo correcto del suspense y la creación de una atmósfera envolvente e hipnótica son los mejores argumentos de la película, en la que Proyas pone lo mejor de sí, a pesar de las carencias del guión, intentando solventar todo el conjunto con una realización con enorme fuerza visual y que busca (y encuentra) la sorpresa constante y el espectáculo con mayúsculas.

Aquellas escenas donde el tono general se vuelve oscuro, donde el desconcierto prevalece y la historia se presta, Proyas desarrolla su personal estilo y filma los mejores momentos, pero todo hace indicar que los productores no quisieron arriesgar demasiado (el final parece demasiado impuesto para venderlo como un blockbuster) y que en la sala de montaje se quedaron momentos que hubiesen elevado el resultado global del film, sin caer en la mansedad que hace gala al final.

La idea de la llegada del fin del mundo es lo suficientemente inquietante como para que un realizador como Proyas sepa ponerle dosis de nervio y suspense, pero mezclado con tantos géneros y la necesidad de hacer más digestible el resultado debilitan este thriller fantástico que bien podría haberse convertido en todo un fenómeno.

Fuente: blogdecine.com

Ya queda menos, muy poco, para el aterrizaje de uno de los estrenos más esperados y polémicos de los últimos años. El próximo miércoles, 8 de abril, en plena semana santa, llegará a los cines españoles ‘Dragonball Evolution’, la adaptación cinematográfica de la famosa obra de Akira Toriyama. La pregunta es: ¿estará a la altura de las expectativas de los millones de fans?

Al parecer, por lo que he leído, la respuesta es un rotundo “no”. Como ya muchos sabréis, aunque la noticia no ha surcado ruidosamente Internet como en el caso de ‘X-Men orígenes: Lobezno’, la película de Dragonball está también disponible (en versión “cam”) para descargar, y los más impacientes no han tardado en hacerlo, descubriendo (repito, según he leído) que la adaptación es poco menos que lamentable. Aquí os dejo dos escenas de la película, para que probéis bocado y os decidáis… ¿vais a verla o no?

Por otro lado, comentaros que, según los actores Justin Chatwin y James Marsters, Goku y Piccolo respectivamente, el guión de la segunda parte ya está escrito y todos los actores principales han firmado para rodar una trilogía, aunque si fuera por ellos rodarían cinco o siete. Muy optimistas los veo…

A todo esto, Marsters ha añadido que está deseando que ‘Dragonball Evolution’ vaya bien en taquilla, ya que su personaje no tiene demasiada participación en este primer film, adquiriendo mayor protagonismo en la secuela. Secuela que, por cierto, según Chatwin, será más divertida, espectacular y fiel a la obra original que esta primera película que llega a los cines, concebida más bien como una introducción a los personajes centrales de la saga, para todos los públicos.

Sin más, y a la espera de vuestras opiniones, aquí os dejo con dos escenas de la película de Dragon Ball:

Fuente: blogdecine.com